Venenos En La Historia

El veneno es una sustancia con una estructura químicamente definida que, introducida en el organismo, interacciona con el mismo y genera efectos adversos, entre ellos la muerte. La diferencia entre envenenamiento e intoxicación radica en la intencionalidad.

La intoxicación es un envenenamiento casual que expresa un hecho fisiológico, el envenenamiento expresa un hecho moral al existir intencionalidad.

Mozart

Hay muchos casos que han quedado en la historia como envenenamiento intencionado cuando se ha tratado solo de una intoxicación, como la causa de la muerte de Mózart.

(Mozartz)

Se sospechó de Salieri como envenenador, pero todo quedó en eso, en sospechas. La realidad es que Mozart murió intoxicado debido a que se estaba tratando de una depresión y “fiebre militar”, enfermedad caracterizada por una erupción de pápulas rojas en la piel, que entonces se curaba con sales de mercurio y antimonio. El mercurio origina fallos renales, y en esa época el antimonio venía mezclado con arsénico. 

(Antonio Salieri)

Por otra parte, Mozart consumía grandes cantidades de Aqua Toffana, un preparado con arsénico.

La duquesa de Alba

Igualmente intoxicación parece haber sido la causa de la muerte de la decimo tercera duquesa de Alba, doña María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo. Las malas lenguas hablaron durante siglos de envenenamiento provocado por mano criminal. Se decía que murió sin padecer ninguna enfermedad. La vieron reír y disfrutar como anfitriona esa misma noche e, inexplicablemente, horas después estaba muerta.

La rapidez con que se instauró el proceso tóxico hizo pensar en una mano criminal por medio. Pero lo cierto es que esa noche de la cena, 23 de julio de 1802, en su palacio de Buenavista, Cayetana ya ofrecía un semblante muy desmejorado, incluso alguno de sus amigos hablaba de aspecto de “piltrafa”. Probablemente todo era debido a un brote de fiebre amarilla, y por ello se maquillaba más que de costumbre, con unos maquillajes que en esos años estaban compuestos de metales pesados, sin ningún control sanitario.

Los cosméticos siempre han llevado en su composición sustancias tóxicas. Ya las damas romanas de la Antigüedad utilizaban el juego de las bayas de belladona para embellecer su cutis.

Los egipcios se maquillaban los ojos hace miles de años y la mayoría de esos cosméticos llevaban plomo. Utilizaban polvo de galena y “espuma de plata clarificada” que es óxido de plomo.

(La Duquesa de Alba - Goya - 1795)

En el caso de la duquesa de Alba el uso continuado de esos maquillajes con sulfuro de mercurio y de arsénico en su composición, y las ocasiones en que se maquillaba con las pinturas que utilizaba Goya para sus cuadros, también altamente tóxicas, compuestas con arsénico, antimonio, cobre y plomo, fueron minando su salud. La vía de entrada del tóxico, en este caso, fue cutánea. Todo ello pudo ir perjudicando su salud de forma crónica. El bisulfuro de mercurio se usaba en maquillajes por su bonito color rojo, y ella utilizaba mucho un colorete para las mejillas que llevaba ese compuesto. Antes de morir presentaba síntomas característicos de intoxicación lenta por metales pesados: náuseas, vómitos, diarreas, deshidratación, dolor abdominal… Por otro lado, parece ser que la duquesa llevaba siempre consigo una cajita de rapé que bien pudiera contener algún alcaloide que fue matándola poco a poco, porque los síntomas que presentó a su muerte se corresponden también al envenenamiento por colchicina, aconitina, digital, opio: y toxina botulínica, hongos y un largo etcétera.

Si supiéramos qué color tenían los vómitos se aclararían muchas dudas, pues si eran verdosos, llevarían sales de níquel y de cobre; si era rosáceo, sales de cobalto; si era luminiscente en la oscuridad, fósforo.

También se habló del curare como causa de la muerte, pero cuando una persona es envenenada por curare, comienza a perder el habla y después se paralizan los músculos faciales.

La historia nos dice que la duquesa, en sus últimos momentos, pidió hablar con un par de personas de su confianza.

Iván “El Terrible”

Se sospechó en su día que la muerte de Iván “El Terrible” se debió a envenenamiento, pero comprobaron que, aunque los análisis practicados en sus restos revelaron la presencia de arsénico y mercurio, al padecer artritis, utilizaba una pomada compuesta por mercurio: el contenido de arsénico no alcanzaba la dosis letal.

(Iván "El Terrible")

Fuente de Datos:
*”Historia de los venenos” – Marisol Donis

Los Banquetes Masónicos

Grabado Francés de 1843

En la discreta hermandad masónica los banquetes rituales ocupaban un lugar relativamente importantes.

Las cuatro logias que en Londres se asociaron para fundar la primera Gran Logia de la “era moderna”, allá por 1717, se denominaban con los nombres de las cuatro Taverns en que celebraban sus reuniones o “tenidas” alrededor de la mesa.

En las primitivas Constituciones de dicha logia, aprobadas poco después, se regula minuciosamente lo relativo a los banquetes rituales que debían celebrarse preceptivamente dos veces al año en los solsticios de verano e invierno, los “banquetes solsticiales”. Estas Constituciones de Londres” han marcado la pauta de la organización y funcionamientos de las logias masónicas hasta hoy a lo largo y ancho del mundo. La primera en constituirse, según las reglas de Londres, sería la de Madrid, en 1728, conocida inicialmente como “Las tres flores de Lys”, por el nombre de la fonda francesa donde se reunía, sita en la calle San Bernardo. Estaba integrada por un grupo de militares ingleses al servicio de España.

 (Masones)

Según uno de esos Reglamentos (Lausana, 1875), los banquetes de obligación para las logias habrían de celebrarse rigurosamente los días de reunión más próximos al 24 de junio y  al 27 de diciembre, fiestas de San Juan Evangelista y San Juan Bautista, respectivamente, por una especie de patrocinio de estos dos santos sobre las logias. Al coincidir la fiesta del evangelista con el fin de año, la fecha era propicia para este tipo de ágapes. Prim fue asesinado el 30 de diciembre de 1870, cuando salía del celebrado por su logia madrileña.

Lo primero que llama la atención es que el Banquete Masónico es un acto extremadamente ritualizado, desde la disposición de la mesa, hasta la forma y orden de los brindis. De velar por su organización se encarga el Arquitecto Maestro de Banquetes.  Los preside y dirige de principio a fin, a golpe de “mallete, el Venerable Maestro de la Logia. Previamente se dispone la mesa en forma de herradura, con la curva mirando hacia Oriente. Una complicada simbología inspira la disposición de los objetos de adorno como candelabros y floreros, y de servicio como las jarras y botellas, así como de los platos, vasos y cubiertos.
Una de las cosas más chocantes es su denominación: a las jarras se las llama “barricas”; a vasos y copas, “cañones”; a la bandeja, “terraplén”; al plato, “teja”; a la cuchara, “trulo o paleta”; al cuchillo, “acero”; al tenedor, “tridente”. Colocarlos sobre la mesa es “alinearlos”, llenar los vasos o las copas es “cargar”, los brindis son “salvas”, las bebidas son “pólvora” (“fuerte” el vino, “floja” el agua, “amarilla” la cerveza, “negra” el café. Beber es naturalmente “hacer fuego”.

La explicación de esa curiosa nomenclatura predominantemente militar (aunque recuerda también el origen constructivo medieval, es el predominio de este estamento en el origen mismo de la masonería en España, y a que la expansión de la masonería por Europa a comienzos del siglo XIX coincidió con la del ejército napoleónico. En Madrid llegó a haber siete logias durante el reinado de José Bonaparte.

Así como no había un tipo de menú reglamentario, ni platos o ingredientes de alguna manera simbólicos, ni había un ceremonial especial para pasar de un servicio a otro, los brindis estaban rodeados de una gran solemnidad, casi litúrgica podríamos decir. Son siete los brindis de rigor. El primero, por el Jefe de Estado, el segundo por el Gran Maestre, el tercero por el Venerable Maestro de la Logia…el séptimo y último “es por todos los Hermanos esparcidos por la superficie de la tierra”.

Entre brindis y brindis, la comida se desarrolla en silencio, excepto en los momentos “de recreación” en que se permite a los comensales relajarse y charlar. Cada vez el presidente da un golpe de “mallete” y la consigna de “a cargar y alinear sus cañones”. Los “hermanos”, de pie, empuñando con una mano “el acero” y sujetando con la otra “el cañón”, escuchan respetuosamente la dedicatoria del brindis antes de “hacer fuego”.
En los intervalos es habitual que se amenice el acto con canciones o interludios musicales. Entre el sexto y séptimo se permiten brindis “espontáneos”, por así decir, y se hace pasar una bolsa para obras de beneficencia.

Lo Grotesco De La Corte

(El Principe Baltasar Carlos con un enano - Velázquez, 1631 - Museo de Boston)

Fueron considerados en la Antigüedad como signos de desgracias venideras, crearon en el Medievo atracción y repulsión, fueron usados en la Edad Moderna como juguetes reales y despertaron un gusto morboso en el Mundo Contemporáneo siendo expuestos en circos y ferias. Bufones, Enanos y Locos no han pasado desapercibidos a lo largo de la historia.
No faltaron en los libros de monstruos de la época, ni en el libro “Desvíos de la naturaleza” que se ocupan de la multitud de criaturas que entonces se consideraban monstruos, porque en esa categoría también entraban enanos, gigantes, mujeres barbudas, siameses, y, en general todos aquellos seres que se alejaban del canon de lo que se consideraba naturalmente normal. En este sentido podía llamarse monstruo a cualquier cosa que excediese los límites de lo común, bien por el desorden de sus partes, bien por un exceso o un aumento material de ellas. Al primer grupo corresponderían, por ejemplo, los gemelos siameses, cuyos cuerpos aparecerían unidos, así como los hermafroditas, o las mujeres barbudas, en los que los sexos se confundían; al segundo, por excelencia, los gigantes y los enanos.

(Retrato de un enano anónimo por Juan Van de Harmen, pintorde origen flamenco nacido en Madrid en 1596 - Museo del Prado - Madrid)

En la definición del “Tesoro”, Sebastián de Covarrubias viene a decir que el enanismo es el resultado de una suerte de nudo en el espinazo que impide el crecimiento, torciendo brazos y piernas, y manteniendo sólo la cabeza en su debida proporción. La creencia del lexicógrafo parece haber sido común, pues medio siglo más tarde, un médico polaco afirmó que era posible crear enanos de forma artificial untando un ungüento especial sobre la espalda de los niños cuando nacían.

Los artistas, desde las pinturas de El Bosco a los grabados de Alberto Durero, fueron más imaginativos al retratar a estos esperpentos.
Sin embargo, como estaba sucediendo en la sociedad que transitaba hacia el Barroco, cuando la doctrina utilitaria de la pobreza se predicaba desde las iglesias católicas y reformadas, esos seres infrahumanos debían servir para algo. Se puso entonces de moda el emplearlos como regalos de Estado en las embajadas diplomáticas que visitaban a los reyes y les colmaban de presentes. De ahí que los hombres deformes también pasaran a valorarse como instrumentos políticos y de bienes patrimoniales en las Cortes Modernas.

(El enano-bufón del Cardenal Granvelle - Antonio Moro 1560)

Así, pasaron a formar parte del entretenimiento lúdico que mitigaban en la persona soberana una gobernación que se pe presuponía agotadora, lo mismo que los monarcas medievales habían gozado de las ocurrencias de bufones contrahechos durante el descanso del guerrero en los cuarteles de invierno.
De resulta, algunos de estos monstruos afortunados, elegidos por su rareza poco común, abandonaron a lo largo de los siglos modernos las penurias del exhibicionismo dentro del circuito callejero para recalar en la molicie palaciega.

Las Cortes de la Europa Moderna rivalizaba entre sí por acumular un capitán simbólico que le diese superioridad sobre sus vecinos, desde el arte edificatorio a la nómina de la servidumbre que servía al monarca, del mecenazgo literario y festivo a la pintura que inmortalizaba a los héroes absolutos, de la etiqueta suntuosa a los bufones modernos que provocaban la risa y eran objeto de las pullas de los cortesanos.
Entre esas “sabandijas de palacio”, como una suerte de juguetes de la familia real, se encontraron los monstruos. Estos locos, enanos y hombres de placer en la Corte de los Austrias, ganaron mediante sus quehaceres burlescos (mensajeros, alcahuetes, espías, payasos) mala fama o se labraron una buena fortuna. Pero a merced de sus rasgos anormales, pudieron ejercer una profesión, que contrastaba con la dignidad del universo cortesano.

(Felipe IV y el enano Miguel Soplillo - (Villadandro, 1621)

De manera que sus nombres han pasado a la historia (Nicolasito, Pertusano, Maribárbola, Soplillo…) y fueron evocados en las obras literarias de los ingeniosos, como Lope, Góngora y Quevedo, y retratados en los cuadros reales por los pinceles de cámara de grandes maestros como Velázquez y Pantoja de la Cruz. En otros casos, era el exceso antinatural reflejado en el rostro el que llamó la atención de los pintores, como el retrato de Magdalena Ventura por Giuseppe de Ribvera, ilustre antepasada de la mujer barbuda de los circos, y de los miembros de la familia Gonzalez o Gonzalvus, copiados por Lavinia Fontana.

Ahora bien, los tratados de Ambroise Paré, Des Monstres et Prodiges (1573) y de Ulises Aldrovandi, Monstruorun Historia (1642), marcan el camino de los monstruos hacia su estudio científico. El famoso cirujano francés busca explicaciones naturales para lo deforme antes de considerarlo una penitencia pecaminosa, de forma, que las personas monstruosas adquieren una nueva consideración, pasando a ser objeto de estudio científico por parte de los ilustrados.

El fenómeno no tiene ya que ocultarse ni el ser social tiene que fingir más: el lado oscuro y el luminoso ahora pueden ser vividos a la vista de todo.

No obstante, estos personajes deforme seguirán despertando el morbo del público en los espectáculos de la cultura del ocio hasta nuestros días: exhibidos en jaulas de zoológicos y barracas de feria, realizando números en los circos vagabundos, mostrados en películas de culto y jaleados por esas plazas de Dios, como todavía hoy le sucede al Bombero Torero. Ni tan siquiera nuestro tiempo, tan políticamente correcto ha podido eludir la ambivalencia del monstruo: la repulsión de lo deforme, el glamour de la fealdad.

Sebastián de Morra (Velázquez, 1645). En 1643, Felipe IV le hizo venir a la Corte desde Flandes, donde servía al Infante Cardenal, para ponerse al servicio del príncipe Baltasar Carlos. Este, al morir, le legó un espadín de hierro plateado y dos veneras de flor de lis picadas. Murión en Octubre de 1649.

Maribárbola. Es la mujer deforme que aparece en el centro de Las Meninas, Velázquez la eligió entre los 40 que vivían en el Alcázar. De origen alemán y amiga de las infantas, sirvió a la condesa de Villerval y Walter. Prácticamente analfabeta, nunca se miraba en los espejos. El que está a su lado dándole la patada al perro es Nicollás Pertusano (Nicolasito), que sería nombrado ayudante de cámara, cargo interno bastante importante.

Don Antonio El Inglés (Velázquez, 1640-1645). De él habla José Moreno Villa en su obra Locos, enanos, negros y niños palaciegos. Contemporáneo de otro enano llamado Bonamie, aquí aparece en una obra del taller de Velázquez, aunque según otras fuentes no sería El Inglés, junto a un perro.

Francisco Lezcano (Velázquez, 1643-1645). Conocido como el Niño de Vallecas, el Lerzcanillo y el enano Vizcaíno, entró en palacio en 1634. Adjudicado al príncipe Baltasar Carlos, que en 1635 contaba seis años, acompañaba a éste y a su padre el rey Felipe IV durante las jornadas cinegéticas. Murió en 1649.

El Enanito de Juana Mendoza, Duquesa de Béjar. Retratado por Alonso Sánchez Cohello en 1585, mientras ofrece chocolate a la futura duquesa de Béjar, no hadejado rastro biográfico, pero es uno de los primeros que aparece en la pintura española y pudo influir en Las Meninas.

Bufón Juan de Austria (a veces se les solía poner el nombre de sus amos), representado como héroe de la Batalla de Lepanto (Velázquez, 1635)

Bufón Pablo de Valladolid pintado por Velázquez - 1636 -1637

El bufón torero.Cristobal Castañeda , “Barbarroja” (Velázquez. 1634). Un mal chiste en el que no dejaba bien parado al condo-duque de Olivares le costó el destierro en Sevilla.


Fuente de datos:
*Caprichos del Barroco - Pedro García Martín, profesor titular de Historia Moderna, Universidad Complutense de Madrid.
* Locos, enanos y hombres de placer en la corte de los Austrias – F. Bouza – Madrid – Temas de Hoy – 1991.

Las Monedas Del Sexenio

En España, desde el 29 de Septiembre de 1868, destronamiento de Isabel II, hasta el 29 de diciembre de 1874, pronunciamiento del general Martínez Campos en Sagunto, y Restauración Borbónica de Alfonso XII, pasan algo más de seis años en el “Sexenio Democrático”, periodo muy crítico de nuestra Historia, en el que se instaura un nuevo sistema monetario, cuya unidad base es la Peseta, que estaría en vigor hasta el año 2001.
El levantamiento del general Serrano, que acabó con el reinado de Isabel II, tenía distinta carga social, según se tratara de burgueses o elementos populares. Para los burgueses significaba un cambio de régimen, pero manteniendo las estructuras socioeconómicas del país, sin cuestionar la gran propiedad agraria, mientras que demócratas y republicanos esperaban la abolición de las quintas y el reparto de las tierras de los grandes propietarios.
Dentro de los graves problemas que tenía planteado el Gobierno Provisional, llegó muy pronto el choque frontal con la iglesia, y aparecieron los primeros movimientos independentistas de Cuba, que se añadían a la situación económica heredada. Con este telón de fondo nace la Peseta.

El 19 de octubre de 1868 se publica el decreto que reforma por entero el sistema monetario en el que se adopta la peseta como unidad monetaria. Los tipos serían una matrona representando a España y el escudo de la nación simbolizando a la Historia. En todas las piezas aparecería el valor, el peso y las iniciales del ensayador.
Este nuevo sistema se basaba en los acuerdos de la Unión Monetaria Latina de 1865. Se acuñan: en oro Cien Pesetas, en Plata Cinco, Dos, Una Peseta, Cincuenta Céntimos y Veinte Céntimos, y en Cobre, Diez, Cinco, Dos y Un Céntimo. En la plata la efigie de la matrona representando a España está inspirada en unas monedas del emperador romano Adriano.

(Cinco Pesetas - Gobierno Provisional 1870)

La Escasez del duro de 1869, así como de las monedas de 20 céntimos de 1869 y 1870, y sus muy altos precios en el mercado numismático, parece deberse a que en 1871, bajo Amadeo de Saboya, la Dirección General del Tesoro ordenó acuñar algunos ejemplares, no hechos en su fecha, para satisfacer demandas de coleccionistas importantes.
Las Cortes Constituyentes de inicios del año 1869 tuvieron urgentemente que elaborar una Constitución, contratar un empréstito para salvar la situación económica, y llamar a filas a 25.000 hombres de reemplazos, para enviarlos a Cuba donde la situación se iba complicando. La aspiración republicana de abolir las quintas desapareció.

Los duros de Amadeo
La Constitución, promulgada el 6 de junio de 1869, tuvo como caballo de batalla el tema de la propiedad privada, con conceptos diferentes y enfrentados entre derechas e izquierda, así como la toma de gobierno: monarquía o república.
Votada la forma de estado, ganó la mayoría monárquica; el general Serrano pasó a ser regente, y el general Prim jefe del primer Gobierno Constitucional y titular de la cartera de Guerra. Fue él quien buscó nuevo rey para España. El elegido, una vez desechada una serie de candidatos fue Amadeo de Saboya, que llegó a España tres días después del asesinato de su mentor Prim.

(Amadeo de Saboya ante el cadáver del General Prim)

Los dos años del reinado de Amadeo fueron de una continua inestabilidad. La nobleza latifundista se le opuso totalmente y las grandes casas aristocráticas españolas le cerraron sus puertas, porque eran claramente partidarios de la Restauración Borbónica. Los carlistas se sublevaron y el intento de abolir el sistema esclavista de América fue una gran fuente de problemas. Finalmente el rey abdicó el 11 de febrero de 1873.
Amadeo hizo moneda siguiendo el sistema establecido en 1868. Acuñó en oro 100 y 15 pesetas, en poca cantidad, por lo que son monedas raras, y en plata 5 pesetas. En todos los casos con su imagen y el escudo español, incluyendo en el centro el de Saboya. Tras su abdicación las monedas de 5 pesetas se siguieron acuñando.

(Cinco Pesetas - Amadeo 1871)

El mismo 11 de febrero, reunidos en Asamblea Nacional Senado y Congreso, proclamaron la República, ante la imposibilidad de encontrar rey de nuevo. La República se hizo cargo de una España cargada de problemas no resueltos, lo que conllevó a que aparecieran de nuevo la Juntas Revolucionarias, la ocupación de tierras y el movimiento cantonalista de independencia.
Esta República, sin poder para establecer el orden público, no pudo cumplir con las aspiraciones republicanas y campesinas.
La República volvió a acuñar monedas como las del Gobierno Provisional. Se hicieron de una peseta y dos pesetas, se utilizaron cuños de Amadeo I, cambiando ensayadores y estrellas.

La revolución cantonal ha dejado unos duros y medios duros acuñados en “Cartagena sitiada por los centralistas. Septiembre 1873”, como leyenda de una cara y “Cantonal. Revolución. Cinco Pesetas o Diez Reales”, en la otra.

(Duro Cantonal)

Durante el tiempo que media entre la disolución de las cortes por Pavía, el 3 de enero de 1874, y el pronunciamiento de Martínez Campos en Sagunto, el 29 de diciembre del mismo año, el gobierno estuvo bajo la regencia del general Serrano. En este año de 1874 se acuñaron cinco pesetas de Amadeo con estrellas, y dos pesetas del Gobierno Provisional, igualmente con estrellas.

Las monedas del Sexenio son interesantes porque marcaron el inicio de nuestra peseta nacional y por la variedad que aportan las pequeñas estrellas que identifican el momento histórico de su acuñación.
Alfonso XII de Borbón entró en España como rey en los primeros días de 1875.


Fuente de datos:
*Texto de Agustín Yáñez para La Aventura de la Historia 

Antonietta González

(Antonietta Gonalez pintada por Lavinia Fontana)


Antonietta Gonzáles fue una de las hijas del Petrus Gonzáles (1537-1618), y su esposa Catalina, ambos guanches de Canarias (aunque esto no está totalmente claro). A excepción de la madre, el padre y todos los hijos del matrimonio nacieron con una rara patología, que llegó a conocerse con el nombre de Síndrome de Ambras (nombre que le vino dado debido a que fue en este lugar en donde permanecieron guardados por largo tiempo los retratos de tamaño natural de la familia Petrus), un desconocido defecto genético que provocaba que sus cuerpos estuvieran cubiertos con cantidades anormales de pelos de la cabeza a los pies, dándoles apariencia de animal mamífero o de hombre lobo.
Su aspecto era semejante a la de un perro pequeño terrier.

Dicha anomalía les condenó al ostracismo en su lugar de origen, pero en Europa, lejos de ser rechazados como fanáticos, eran atesorados por los niveles más altos de la aristocracia. La familia Gonzáles es uno de los primeros casos registrados de lo que hoy se conocen, y desde entonces ha habido menos de cincuenta casos conocidos en todo el mundo.

(Petrus Gonzales en un retrato anónimo)

Según se cree, el salvaje Don Pietro fue descubierto en las Islas Canarias en 1457, y enviado a su Serenísima Alteza Enrique, II Rey de Francia, y de Catalina de Médicis. El monarca francés le hizo aprender latín y le dio un puesto menor en su corte. En París, Petrus se casó con Catalina, y la pareja tuvo varios hijos, de los cuales la mayor parte (tres hijas y dos hijos), estaba cubierta de pelos.
No se sabe a ciencia cierta si Petrus era total o parcialmente guanche, ya que había matrimonios entre éstos y los españoles, portugueses, y africanos que trabajaban en los cañaverales e ingenios azucareros de Tenerife. Es uno de los misterios que envuelve a esta familia.

Aproximadamente hacia 1590, los González emprendieron un lento viaje hacia el Sur y acabaron instalándose en el norte de Italia, en la ciudad de Parma, que gobernada por la poderosa familia Farnesio, contaba con papas, cardenales y generales entre sus miembros. Los Gonzales dependían de los Farnesio para su sustento, así que, aunque no eran esclavos, tampoco eran completamente libres.
El Duque de Parma, Ranuccio Farnesio, regaló al hijo mayor de los Gonzáles, Enrico, a su hermano Oduardo, un cardenal muy interesado en lo insólito y lo exótico. Enrico fue a vivir al palacio de Farnesio en Roma, donde más adelante le acompañó también su hermano menor. Enrico a su vez, también convirtió a Antonietta en un regalo, dándosela a la marquesa de Soragna, cuya hija estaba casada con un primo de los Farnesio, pasando Antonietta a ser una permanente compañía para la marquesa. Fue junto a ella, estando invitada en casa de un amigo rico de ambos, afincado en Bolonia, cuando la encontró una tarde de 1594 el científico Ulisse Aldrovandi.

(Ulisse Aldrovandi.)
Aldrovandi examinó a la joven con detenimiento, y después anotó que:
“la cara de la niña estaba cubierta de pelo, excepto las narices, los labios y alrededor de la boca. Los pelos de su frente son más largos y duros que los que cubren sus mejillas, aunque estos son más suaves al tacto que el resto del cuerpo., y tiene pelos en gran parte de sus espalda y pelos amarillos que la cubrirían hasta el inicio de las ingles.”

(Antonietta enfrentada a un ser de tres cabezas - página del Mostrurun Historia - Aldrovandi)

Ulisse Aldrovandi realizó además una serie de grabados de Antonietta y de otros miembros de la familia, que aparecieron en un amplio catálogo de anomalías humanas escrito por Aldrovandi y titulado Monstrorun Historia.

(La niñas Gonzales y sus padres - dibujo incluído en el libros ilustrado de mamífero, aves y peces del pintor flamenco Joris Hoefnagel) 

Todos los miembros peludos de la familia González fueron pintados en distintas ocasiones por pintores renombrados de la época: Lavinia Fontana, pintora Boloñesa, pintó a Antonietta y a su hermana mayor, Francesca. A Antonietta la pintó con una hoja en la mano que da detalles de su vida.
Anteriormente otros estudiosos se habían fijado en los hermanos mayores, Magdalena y Enricco un pintor de la corte de Guillermo V de Baviera, de su mujer y de los dos hijos más pequeños.

(Retrato de Antonietta que se conserva en el castillo de Ambras)

Los retratos de los Gonzales, llamativos y dramáticos, colgaban de las paredes de palacio sin ningún ánimo de burla u ostracismo, sino como algo meramente natural, donde sus vidas transcurrían entre nobles, músicos y artistas. Esta doble identidad les proporcionaba una áurea especial, tanto en su época como en la nuestra.

En épocas posteriores familias o casos como el de los Gonzales serían exhibidos en ferias y circos como los niños con cara de perro, la mujer barbuda o los hombres leones.

Algunos de los retratos de la familia Gonzales fueron obra del artista Joris Hoefnagel, que pintó minúsculas acuarelas de colores muy vivos de Petrus y su esposa y dos de sus hijos, y los incluyó en un libro ilustrado sobre animales, pájaros y peces.

La familia González fue única, pero también está relacionada con muchos de los principales acontecimientos de su época, incluyendo los descubrimientos, las sangrientas guerras religiosas, los movimientos artísticos del Renacimiento, y el crecimiento de la ciencia.

(Portada de una de las obras de Ulisse Adrovandi)

Obviamente, las mujeres, las hermanas eran completamente diferentes que las demás niñas hermosas que eran consideradas "maravillas de la naturaleza", pero al mismo tiempo sus vidas eran muy similares a los de otras mujeres: Maddalena se casó y tuvo hijos, uno de los cuales era peludo, Francesca permaneció soltera, y Antonieta murió joven.



Fuente de datos:
* “The Girls Hairy Maravilla” - Merry Wiesner-Hanks
* La Aventura de la Historia

Las Viejas Peluconas

(Ocho Escudos 1728 - Felipe V)

Las magníficas onzas de oro de la monarquía española del siglo XVIII son uno de los exponentes de la recuperación económica y social de España bajo los primeros Borbones. Estas monedas de Ocho escudos deben el apelativo de peluconas a que las efigies de los reyes, sobre todo de los primeros, aparecen con las grandes pelucas de la época.

(Felipe V - Retrato de Van Loo Louis Michel)

El problema del caos de la moneda de cobre y del vellón de Castilla comenzó a solucionarse y se fue deteniendo el proceso inflacionista mantenido durante todo el siglo.

Aragón, Cataluña, y Valencia mantuvieron su propia moneda local de cobre, hasta la mencionada unificación de Felipe V, que sirvió para acabar con el desorden de la moneda de cobree, porque la de plata y oro ya había sido unificada en los reinados anteriores.

(Ocho Escudos de 1757-Fernando VI)

Con los Borbones, España vivió un resurgimiento de las obras públicas y de la industria y logró una situación económica mucho más estable que la de los dos siglos anteriores.
El oro, que ya se venía revalorizando sobre la plata y el cobre, seguía ocupando el primer puesto como instrumento de cambio en el mercado de las transacciones internacionales.
Con oro procedente de América, España acuñaba las monedas de uno, dos, cuatro y ocho escudos, la onza. Esta última, cuyo nombre procede de su peso (27,10 gramos), se había hecho necesaria para el comercio en época de Felipe IV, que acuñó las primeras. Y fue en tiempos de Felipe V cuando, a causa de la escasez de plata, se fabricó la pequeña moneda de oro de medio escudo o “Durillo” con el mismo valor que los Ocho Reales de plata.

Las Peluconas aparecieron a finales de 1728, cuando se dispuso que en todas las monedas de oro se acuñara la imagen del soberano en el anverso, colocando el escudo en el reverso.

(Ocho Escudos 1773 - Carlos III)

A la onza española se la ha llamado Escudo de a Ocho, Ocho Escudos, Pelucona o Doblón de Ocho Escudos y fue, sin duda, una de las monedas más importantes del mercado mundial a lo largo del siglo XVIII.

Las onzas de los Austrias y las de los primeros años del reinado de Felipe V todavía no eran conocidas como Peluconas porque mostraban, las acuñadas en la península, en el anverso escude de España, y en el reverso Cruz, mientras que las salidas de las cecas americanas mostraban las Columnas de Hércules en el anverso y Cruz en el reverso.

Al año siguiente, 1729, se fabricaron onzas en Sevilla y en las cecas americanas de Lima y México.
Su sucesor, Fernando VI, acuña onzas desde 1747 en Madrid y Sevilla, y en las cecas americanas de Lima, México, Nuevo Reino, Popayán y Santiago.

En las décadas siguientes, Carlos III y Carlos IV acuñaron Peluconas durante sus reinados, ya con peluca más pequeña, tanto en España como en América.

En estos reinados, las primeras acuñaciones solían reproducirse con la imagen del rey anterior, sobre todo en las cecas americanas, hasta que la metrópolis les enviaba los nuevos cuños con la figie del nuevo monarca.

(Ocho Escudos 1802 - Carlos IV)

Las onzas españolas del siglo XVIII son piezas magníficas, y muy apreciadas por los coleccionistas, como ocurre con las de los dos primeros Borbones.

Fuente de Datos:
Agustín Yáñez para La Aventura de La Historia nº 117

La Otra Familia Que Pintó Goya

Protegido por el infante Don Luis, el joven Goya, todavía no consagrado como un artista, elaboró de él y de su más íntimo entorno un verdadero halago pictórico.

("La Familia del Infante Don Luis"-Francisco de Goya-1783)

El retrato colectivo más conocido y valorado de Goya es La Familia de Carlos IV (1800), pero mucho antes ya había pintado a otra “familia real”, aunque se trataba de una familia proscrita, desterrada, desposeída incluso de su propio apellido: La Familia del Infante Don Luis (1783).
Don Luis (1729-1785) era el hijo menor de Felipe V e Isabel de Farnesio. Como tenía cuatro hermanos varones por delante, no se contó con él para la sucesión.

A los seis años, siguiendo la costumbre, le hicieron arzobispo de Toledo y el Papa le envió el capelo de Cardenal. No es extraño, por tanto, que su vocación fuese nula y que a los 26 años, durante el reinado de su hermano Fernando VI, colgara los hábitos y quisiera casarse.
Pero murió Fernando VI sin descendencia y subió al trono Carlos III, rey de Nápoles, que tuvo que renunciar a ese reino para hacerse con el español.

El algún momento se planteó que Luis se casara precisamente con una hija de Carlos III, pero éste frenó el proyecto. Sus hijos habían nacido en Nápoles y los hijos del infante don Luis, que nacieron en España como infantes de España, podrían pretender mejor derecho a la sucesión y dar lugar a un pleito dinástico.
Es un deber primordial de cualquier rey impedir este tipo de conflictos, que pueden destruir reinos, de modo que Carlos III le prohibió directamente a su hermano que se uniera a alguien de sangre real, lo que según los usos era como prohibirle que se casara.

Celibato no es virginidad y don Luis siguió con las mismas prácticas que cuando era arzobispo de Toledo, entregándose al sexo con el mismo ardor que a la caza. Pero cuando llegó a los 56 años, la vejez en esa época, harto de lances y amoríos, se encaprichó de una bella señorita treinta años más joven y decidió casarse con ella, sin importarle el escándalo, como a veces hacen los calaveras caducos.
("Teresa Vallabriga"- Francisco de Goya-1783/84-México-Colección particular)
La muchacha era Teresa Vallabriga, hija de un militar y de la condesa Torres Secas, de sangre noble pero no importante.
A la muerte de sus padres, había abandonado su Zaragoza Natal para vivir en la Corte al amparo de su tía, la marquesa de San Leonardo. Su casamiento con un infante de España suponía un matrimonio morganático, pero Carlos III quiso remachar todavía más el impedimento para que los hijos de su hermano no albergaran ninguna esperanza dinástica.
Una pragmática publicada en marzo de 1776, diez días antes de la boda, establecía que los hijos de don Luis no tendrían condición ni tratamiento de infantes, no podrían usar el escudo ni el apellido paterno de Borbón, sino solamente el materno. Además, se desterraba a la familia de Madrid y los Reales Sitios para toda la vida.
Don Luis y su esposa tuvieron tres hijos, Luis, María Teresa y María Luisa, y repartieron su exilio entre Caldaso de los Vidrios, Boadilla del Monte y Arenas de San Pedro. En ellos mantuvieron una pequeña Corte ilustrada, pues don Luis había recibido de joven una espléndida formación artística a cargo del pintor italiano Francisco Sasso, y su esposa era educada y sensible para las artes y la conversación.
Entre los personajes de mérito que frecuentaban su salón en el destierro estaban el músico Boccherini, el pintor Rafael Mengs y el arquitecto Ventura Rodríguez. A esa Corte se sumaría Francisco de Goya, que encontró en doña Teresa Vallabriga uno de sus primeros mecenas, cuando aún se estaba dando a conocer en las altas esferas. Francisco del Campo, amigo de doña Teresa y amigo de Goya, le llevó a Arenas de San Pedro en el verano de 1783 y volvería al año siguiente.
Goya fue magníficamente tratado. Realizó varios retratos con un aplauso inesperado por haber venido ya otros pintores y no haber acertado a esto.
A “lo que no habían acertado otros” era a satisfacer las frustraciones del Infante que, consciente de su condición real, se veía sin embargo preterido y exiliado. Goya le brindó una compensación simbólica, pues lo representó en una pintura, a él, a su familia y a sus servidores de confianza de una forma que, para cualquiera un poco perspicaz, era una reinterpretación de La Familia de Felipe IV de Velázquez, las célebres Meninas.
Para un crítico de arte superficial que no conociese las circunstancias históricas, este cuadro, le evocaría una “conversation piece íntima”, pintura de género muy a la moda en Inglaterra, Pero la “conversation piece inglesa” eran cuadros pequeños, mientras que Goya hizo un lienzo de proporciones similares a Las Meninas, es decir, cortesanas, apropiadas para adornar un salón palaciego.
En realidad, ese supuesto parentesco con la pintura de género inglesa no es más que seguimiento del modelo vezqueño, capaz de retratar a la familia real de forma naturalista e íntima.
La inspiración de La Meninas se nota en muchos elementos, empezando, como es evidente, por los numerosos personajes: los padres, su prole, los servidores cortesanos y el mismo pintor.
Todos ellos, como en Las Meninas, se distribuyen a ambos lados de un eje central y luminoso, el de la infanta en el cuadro de Velázquez; el de Teresa Vallabriga en el de Goya. Hay un eco de la menina que ofrece a la infanta un búcaro de Portugal sobre bandeja de plata, en la sirvienta que trae una bandeja con la cofia y en un joyero para el arreglo de doña Teresa, a la que atiende su peluquero.

(Francisco de Goya)

Si Velázquez pintó al Rey reflejado en un espejo, Goya se inventa otro artificio para la imagen de don Luis, al que transforma en moneda. Su perfil hierático, efectivamente es el de los retratos reales acuñados en los doblones, algo reservado a los soberanos.
Pero Goya reincide en este reconocimiento de estirpe a don Luis, pues junto a su cabeza pone la de su hijo en idéntico perfil, siguiendo el uso de grabar en monedas y medallas el retrato doble de los Monarcas, o el rey y su heredero.
También se autorretrata Goya, aunque adopta una actitud distinta a la de Velázquez. Este es en Las Meninas una figura llena de autosatisfacción en el culmen de su carrera palaciega y del aprecio real, proclamando su nobleza con la Cruz de Santiago. Goya en cambio se pinta semiarrodillado, en una actitud de servilismo cortesano hacia el Infante.

Al fin y al cabo, Goya todavía no era muy importante. Le faltaban varios años para ser nombrado pintor del Rey y el Infante don Luis le pagaba espléndidamente por un mes de trabajo “mil duros y una bata para mi mujer toda de plata y oro que vale treinta mil reales”.

Fuentes:
*Texto de Luis Reyes para La Aventura de la Historia.